有没有什么学钢琴滴技巧

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  展开全部请个老师学指法,学看谱,敲门砖一定要好。最好不要自学,因为那容易形成不良习惯(指法,姿势,感觉等)

  这样才能正统学习钢琴并且每天须占用至少半小时练习,休息时多练会,注意不要间断,否则会事倍功半。

  钢琴,固有“乐器之王”之称,它的音域之广,和声之丰富是他种乐器所无法企及的。尼古拉耶夫说:“从钢琴教学刚开始的时候起,我们就应该使学生习惯与有系统的练琴工作。”

  钢琴教学中,我们要有正确的教法和与适当的教材,要让学生了解演奏技巧,深入的学习它。

  1、均匀跑动技巧,这个指音阶式跑动和琶音式跑动,把二十四个自然大小调的音阶和琶音都弹得滚瓜烂熟,速度力度完全均匀。

  4、八度技巧。包括抒情性的八度和技巧性的八度。八度技巧包含二十四个大小调的八度音阶和八度琶音,以及分解八度和八度颤音。

  5、有力的,深沉的,饱满的和弦技巧。人的一只手五指最多能奏出一个九和弦,当然双手齐用的话奏出十五和弦都没问题。

  7、复调技巧。要求一只手能清晰地演奏出两个以上声部的技巧。李斯特的《风景》中共有七个声部,平均每只手要负责三个声部。

  8、特殊技巧。包括大跳,重复音,长颤音,双手颤音,双手刮奏,高难度手指独立等。

  展开全部刚开始我也看指法啊,但是当你一遍遍弹熟之后,是不是就可以背下谱来了呢,是不是就可以不看指法了呢?

  其实指法只是帮助你的工具,要是不喜欢标的指法,完全可以按照自己的舒适程度来弹,总之,不要顾虑那么多啦。

  钢琴教育在现代中国得到了广泛的发展,可是在学生和家长甚至在一些钢琴教师的心里,对钢琴技术、技巧的概念还有疑惑不解之处,这不便于读书、听课、交流、看考级评语,还容易出

  现理解上的错误,给学琴带来不便。因此笔者尝试依据前人的经验和自己的理解,对二者的内涵、特点和关系作进一步的分析、阐述,以便求教于大方。

  古今中外有许多钢琴家都曾谈论过钢琴演奏的技术方法及其训练途径。比如前苏联著名钢琴

  大师——戈多夫斯基明确提出了技术与技巧的不同概念。他认为:“技能自然是包括了从机械性能的角度来训练手—就是尽可能地使手能弹出最高的速度、最大的力度,并使手具有能力能弹奏各种因指法或各个调在键盘上的特殊排列而极为困难的经过句。技巧不同于技能,他和智力有关而不是体力方面的问题,它是脑力方面的学习而不是手指或体力方面的学习。技巧的含义就是节奏、拍子、重音、分句、力度、缓急法、触键等。对以上所提的这些项目有敏锐的理解,并能根据自己的解释运用到键盘上,那就可称为有高度的技巧。”中国钢琴艺术理论家魏廷格指出:“严格的说,(二者)不是一回事。技术侧重的是不涉及艺术性的能力。比如手指运动的速度、力量、灵敏度等。而技巧则是将技术运用于乐曲艺术内容表现的能力。比如在乐曲的演奏中,恰当、巧妙的运用技术,弹出音乐需要的轻、重、缓、急等等。所以,有了技术不一定具有技巧。

  但没有技术则肯定谈不上技巧。”还有一些理论研究者,在著述中把钢琴演奏技巧分为技术性技巧和音乐性技巧,以便于区别开二者的内涵。象这样关于钢琴演奏的技术与技巧辨析的文章很多,都说明对于钢琴艺术理论的研究来说,明确的区分二者的不同内涵,对于钢琴教学的研究向着科学化、纵深化的道路上发展有着重要的意义,同时也便于钢琴学习者正确的理解技术技巧的训练。

  就钢琴演奏来讲,技巧是手指技术与音乐内涵的中介,属于心理智力操作的范畴,是非

  具体、不可见的。而技术要指弹奏时指腕臂身的协调灵活动作,它遵从于身体运动的

  规律,因此具有相对的独立的意义。如果混淆了二者的定义,把对表现音乐的能力统称为技

  术,就把音乐表现当成了技术的制造或者是能批量生产的程序,把艺术表演就引入了死胡同。

  如果把技术具体看作运用身体的能力,就说明了它可以用相对固定的训练指标来衡量,比如

  动作的速度、力度、准确性等等,也就可以把它划入科学的范围,从而运用科学的方法进行

  研究、训练。事实上体育科学早就对肌肉运动的训练有了成功的研究成果,让肌肉具有哪方

  面的能力只是训练途径不同。这从钢琴演奏法的发展历程(从手指派到重力派再到二者结合

  在艺术表演领域里,舞蹈是把身体的运动与艺术的表现内涵结合起来的一种直接的外在

  表现形式,体现了身体运动规律中的高度协调与形式美。体育竞赛展现了身体运动规律中的

  力量运用。而钢琴演奏是以丰富的音响为目标,在宽广的键盘上来体现手、手臂乃至全身的

  高度协调、灵活和力量的运动技术。因此所有的手指运动技术都必须符合钢琴的外形和发声

  特点来设计并训练。钢琴——这位乐器王国里的庞然大物,能发出PPP极弱到fff极响的音量。

  宽广的键盘位置,要求身体完成左右上下的复杂运动;尤其要求手指在上面走、跑、转、舞

  来荡去,所做的技术组合的复杂,远远超过了任何一个舞蹈家的动作组合;所展示的动作速

  度和力度堪与任何体育比赛相比拟;所要达到的精确程度丝毫不逊于现代的电脑。由此可知,

  手指的训练即技术训练还要必然服从于运动训练科学原理,向着高度精湛、准确和快速有力

  从钢琴制造发展过程可以看出现代钢琴已成为能充分发挥人的体能及想象的较为完善的

  表情工具,因此钢琴弹奏技术是既从属于音乐表现又从属于运动科学的操作手段。为了更好

  的表现音乐形象,演奏者必须具备一定的手指准确、速度、力度等能力,丰富的钢琴作品对

  手指的各方面能力提出了苛刻的要求,掌握技术是一名钢琴家必备的条件。钢琴发展历史上

  曾经出现过许多以技术为表演目的的煊技大师,可见钢琴的弹奏技术本身就体现了可观赏性、

  竞技性,从此意义上说具有相对的独立性。但可忧的是现代社会上仍存在着以技术为目的的

  不良习气和观念;他们认为技术是第一位的,有了技术随着年龄的增长音乐表现就会自然好

  起来,因此在钢琴教学中把弹奏技术孤立于音乐内涵和表现技巧之外;孩子失去了以表现音

  乐为目的的手指乃至全身的运动体系,仅仅退化为手指的动作游戏,失去了锻炼手指的目的、

  失去了音乐决定手指运动的意识,很难想象这孩子在钢琴演奏的道路上能走多远。

  音乐是以声音为载体、以节奏节拍的方式在时间中展开、来表达思想情感的一种艺术形式。

  作为以声音的轻重为表达手段的钢琴,所有的表现形式诸如节奏、色彩、旋律、结构等都以轻响的方式在时间空间中展现。我们把能够根据思想情绪的需要通过灵巧、有力的手指动作而制造出各种的音响能力称之为钢琴的表现技巧。正如钢琴大师约翰·布朗宁(John Browning)所说:“技法与你能很快弹奏不同的音阶全然无关,它是创造出许多不同的声音的能力。这种能力构成了技法的最高理想。”比如:一段优美的旋律需要内心的歌唱感和手指的连贯动作再加上手臂重量的合理运用,才能体现内在的气息的流动和语句的抑扬顿挫;一道亮丽的音响色彩的塑造需要敏捷细腻的指触和多层声部的合理融合;一段铿锵的节奏的展示需要指力、重力与节拍在激情下的持续迸发;小桥流水、风花月夜、空山鸟语、温馨甜美的想象等等都可以技巧的途径展现出来。

  把这些音乐的素材按照一定的思想或情绪的发展逻辑有机的组织起来就构成了综合音乐形象,它体现了人的精神和意志,成为音乐表演活动的根本目的。从这个意义,技巧也逐步的靠近了音乐的本身。因此,技巧是以音乐素材的积累为前提,以智慧为手段,以情感的体验为特征的精神产物,是演奏者巧妙的运用弹奏技术、表现一定音乐情绪的能力。它随着精神发展而提高,区别于手指技术随肌肉能力的提高而发展。

  一切艺术表现手法象对比、对称、平衡等都是技巧形成和发展所应遵从的共性原则,但都不

  能成为技巧的本身。艺术来源于生活,丰富多彩的生活实践创造着多变而细腻的人类情感。在不同情感想象作用下创造出的音乐作品,必然需要富于创造性的技巧去展现。从这个意义上说,有多少作品就应有多少钢琴表现技巧。灵活多变、恰如其分就成了技巧的特点。正是技巧的这个特点,大大的丰富着艺术表现原则的内涵;同时,在这些共性表现原则的启发下,钢琴表现的技巧向着无限丰富和细腻的空间开拓、发展着。

  纵上所述,我们知道技术和技巧同时存在于钢琴演奏的能力中,相辅相成、互为条件、缺一

  不可。在某种情况下它们又可以混用,因为他们都融入了同一个概念即演奏的能力中。这要求钢琴教师从一开始钢琴弹奏的训练就要重视二者的完美结合,不可偏颇。但二者又存在着显然的区别,技术是可见的、是有限的;而技巧却是无形的、又是无限的。正如钢琴大师阿莉西亚·德·拉罗恰(Alicia de larrocha)所说:“只有在纯粹的机械这外,你才能把握技术(技巧)的真实含义。那是音响、解释、音色和音调,是一个乐句或乐段的处理;是重音、曲调和旋律;是音乐的概念。总而言之,机械意义上的技术对你丝毫无补。你必须知道的是:自己此时此刻正在弹奏的这首乐曲,应该以什么样的技巧来处理。”因此,手指技术的发展提高必须以技巧的需要为准绳,技巧的发展也必须以技术的精湛为保证,二者的主从关系是明确的。作为钢琴教师在教学训练中应该真正的弄清二者的含义和关系,结合学生的实际情况,把演奏能力教学的重心适当的倾斜到技巧上,使学生在创造性的技巧训练中感受到音乐的乐趣,感受到钢琴弹奏的快乐,以技巧来带动技术的提高,使学生在有限的技术上运用无限的音乐表现技巧、创造出丰富的音响世界,达到钢琴表现的目的。

  在演奏时,美妙悦耳的音色与手指触键时力量的来源、力度的支配用着直接的关系。如果力量的来源不对、力量支配不科学则极有可能导致音色“虚”、“散”、手臂僵硬、力量的浪费等等问题。因此要想正确的运用力量必须要协调好身体各部位,尤其是上肢各部位。首先,把下键的手指准备好,不能松懈(但不要紧绷,否则会造成手指僵硬)。然后把手臂抬起来从大臂开始,带动小臂、手腕自然下落,把琴键弹到底。这样手臂的重量便充分的通过指尖传到键盘上。这时手指在键盘上是立住的,要有一种没有键盘的支撑手指会继续下落的感觉。手指立住后,可轻轻的晃动手臂以检查是否有“僵”、“硬”的迹象。切忌在手臂下落时僵硬的敲在键盘上,这样发出的声音不是“虚”、“散”的就是“死”的。正确触键方法发出的声音应该是清晰、明亮的,既结实又饱满,也就是有些老师常说的“通”、“透”。在这里常出现的问题是放松的度,许多人往往过度追求放松的感觉,于是出现了手指松懈、声音发“虚”等现象。这是因为过度的放松,力量肯定没有通过手指传到琴键上,这样不仅发出的声音不好,而且在快速的弹奏中还会造成音值的不平均等问题。反之,有些人过度用力,导致整个手臂带动手腕都僵成了一体,发出的声音自然发“死”并且不灵活。这两种方法都是不对的,运用力量时应当明确的是:完全的放松是无法弹奏的;胡乱用蛮力也是行不同的。必须要学会紧张与放松统一,做到“力由心生,收放自如”。

  演奏乐曲时不可能总是把手臂高高抬起然后自然下落,大多时候手指是自然的支撑在键盘上的。那么手指的各关节在弹奏中就起着至关重要的作用了。从指尖到指根共有三个关节,无论是何种触键方法都要保证一、二关节的支撑,这里就不多介绍了。关键是指根(掌关节)的运动方式,也就是颇受争议的“高位置触键方法”和“低位置触键方法”,简称“高抬指”与“贴键”。这两种方法各有优点,先说“高抬指”,所谓“高抬指”指的是把要下键的手指(或带动其他手指)的掌关节打开,手指高高抬起,然后迅速的下键。这种方法虽然对初学者比较难掌握,但有助于在钢琴上制造各种各样的音色,将钢琴的音色发挥至最大限度,一些“颗粒性”较强 的音色应用此法来演奏。所谓“贴键”就是手指自然支撑在键盘上,下键时把手指准备好(不用抬起),在键盘上直接下键。这种方法的优点是节省手指运动距离以提高速度,且不容易疲劳。个人经验以为在初学钢琴时应着重进行“高抬指”的训练。因为这种方法可以使掌关节得到充分的伸展,从而锻炼其灵活性,而且通过抬高手指然后迅速的下键能够锻炼手指的爆发力、支撑力及独立性。但是值得注意的是有些人练习此法时往往急于求成,过高的抬起手指认为可以得到更好的练习效果,其结果往往适得其反。此法会导致手指僵硬,下键得不到很好的控制,音色发“散”。就象百米起跑的运动员,不是蹲的越低起跑就越快,反而过分的蹲腿会影响起跑的质量。手指也是一样,“高抬指”只要做到适当就可以了。在实际演奏中“贴键”奏法显得尤为重要,这种方法可以使手指对琴键有着更为精确的控制。举个简单的例子:我们用脚踢门肯定没有用手推控制的好。手指在有一定的爆发力、支撑力时应多用“贴键”去控制键盘,这样的触键才会更精准的控制音色

  “断奏”的一般弹法是手指自然放在键盘上,用力时利用手指、手腕的反弹力像拍皮球似的从键盘上反弹起来。声音应该是“亮”、“脆”、“富有弹性”的。“断奏”在具体弹奏中又可细分为如下几种:①“指尖断奏”:这种方法可以产生轻盈、灵巧的效果。如:演奏莫扎特的多数奏鸣曲及舒曼《儿童情景》NO.3《捉迷藏》中的“断奏”都可以用此法以表现充满愉快的生活气息和青春的活力。②“手腕断奏”:这种方法也可以弹奏的很轻巧,而且有一定的力量变化。如:贝多芬OP.2—1奏鸣曲中前两小节的几个音符就可以用此法作出渐强的递进。③“小臂断奏”:此法的效果要比前两者更有魄力,力度变化也更大,它利用小臂的迅速反弹力来弹奏。如:肖邦NO.5练习曲(黑键)中,最后两小节里的一连串八度音程用此法演奏效果会是很辉煌的!④“大臂断奏”此法不如前几种方法灵巧,稍显笨拙,但是却能使钢琴发出雄浑有力、振人心魄的声音。如:肖邦《降A大调波兰舞曲》(军队)的多数断奏都可用此法,效果是非常好的。

  当乐谱上既有跳音又有连线记号时应用“非连奏”弹法来演奏。其方法是指尖贴在键盘上,下键前像要牢牢抓住键盘一样,下键时要慢触键,不要出现“颗粒性”的声音,也不要有连绵的声音,正确的声音应该是似断非断、如歌如诉的。它可以使乐句亲切动人,使乐曲更有表现力,也丰富了演奏者的想象力。

  当乐谱上标有连线时应用“连奏”弹法来演奏。它是利用了手指间力量的转移:即手臂重量从一个手指转移到另一手指(就像行走一样,重心从一只脚转移到另一只脚)。它要求手指有很好的支撑力和独立性。在力量转移时手臂要尽量的放松,手指不要松懈,并且不能有声音上的缝隙,要像一口气长出来的那样连贯。

  双音或两个以上的音一起弹奏和单音的弹奏是不同的。它最重要的是整齐,不能有参差不起的落键。具体方法如下:大臂先自然的下去,保证力量要通畅的贯穿整个手臂,下键前触键的手指要充分的准备好,甚至做好一个牢固的手型以保证在弹奏前就对声音牢牢的掌握住,要有抓住键盘的感觉,最后下键的一瞬间要保证手指整齐的触键。这样发出的声音才洪亮、整齐。

  突破钢琴演奏的时间、技巧瓶颈 (转) 关于如何提高练习效果的讨论很多,结果刚好有看到几篇相关的好文章,

  整理一下发上来,和大家分享。一、用心思考,倾听自己每次重复练习的结果。很多同学练琴的时候,都是一次又

  一次的做机械式的反复练习,可能他已经练了第二十遍了,可是效果比第一次都差。也就是说它他费了十九次的时

  间,却从来不停下来思考他多练一次的目的是什么?可能他已经背会了,还不知道所弹的曲子是什么?谁作的?什

  么调?什么拍号?不信?请马上自检一下哦。因此练习时,首先养成用心观察的习惯,不要随便放过任何的一个弧

  线,记号,然后牢牢记住。弹奏时你一定要知道:1、每个音的意义:它是主音,经过音或是伴奏,以及在这个乐

  句所占的位置......等等。2、每一个乐句进行的过程:前后的关系,是问句,还是答句,还是连接句?3、每句即每

  段的重点:想一下,平常你讲的每一句话,有没有重点?有没有语调?音乐就如同讲话一般有抑扬顿挫,才能引人

  入胜至忘我境界。4、主题的特点及分句:要知道所弹的主体特性是柔还是刚,乐句的划分,和在何处呼吸。5、注

  意对位及伴奏乐段:对旋律是否迷失,伴奏是否起衬托主旋律的作用。做到以上几点,就算是了解这首乐曲了,一

  位演奏者必须了解乐曲,才能把音乐表现给别人。 二、练琴不一定在琴键上1、技巧并非纯粹是肌肉运动的问题,

  又是加上精神控制及思考可以把你认为不可能弹好的困难乐段给解决了。当你遇上困难时,不妨静下来研究如

  何运用肌肉的运动感觉,试着找困难的原因,然后集中精神,将手指放在琴键上作无声的弹奏,然后把琴盖上,就

  在琴盖上练习,当习惯了肌肉运动后,移到琴键上,你可以发觉容易多了,而你也在不知不觉中学会了无声练

  习,对背谱及想象有莫大的帮助。2、注意正确的指法 指法因人而异,有些版本的指法的确不当,所以练习前先

  找出正确的指法,然后每次练习都用同样的指法。好的指法会帮助你把乐句分的更清楚。开始可多参考几种版本,

  仔细研究其指法的差异,不久之后就会发现好的指法是有规律可循的。3、不要过分重视技巧而忽略音乐,更不因

  为放松忘了用手指及头脑来控制每一个音响。4、永远都要记得,演奏只有第一次。很多人知道错了,以为下一次 便不会错,或者下一次再改吧!养成习惯后,你的第一次,不管上课,或演奏总会失败。要知道一场演奏会是没有

  让我们再弹一次的机会。所以自练琴起,每次都要当作只有这一次机会的态度,不要有下一次的念头。5、联系困

  难乐段时,何妨改变成加一些音,成为比它更复杂,等到你连原谱时,会 发觉灵巧,容易多了。6、不要忘记,所

  谓技巧是要能弹出正确的音,正确的拍子,达到要求的速度,选择正确的音质与音量。7、技巧的练习时每日不断

  的,名钢琴家巴克豪斯(Backhaus)八十岁手指还是灵活异常,他说就是每天练音阶,琶音的结果三、用耳朵弹

  琴1、一般学生,在练习时知道利用头脑、手指、眼睛及心中的感觉,却忽略了最重要的听觉。因此很多弹过的旧

  曲子,听到别人弹时,只觉得很熟,却不记得哪里听过。或者在渐强、渐弱的乐段,他感觉做到,但却没有听他做

  到。如果你能清楚地听到弹出十五次四个八度的音阶琶音从ppp~fff间挤进十五个等级即ppp pp p mp mf f f

  f fff的中间还能再加一级。这才表示你有能力弹渐强渐弱。2、用耳朵听出旋律是否清楚,不与伴奏混乱,每一个主

  题或声部的特点,音的时值是否正确。3、在大声雄壮的乐段中,用耳朵听清楚每个和弦是否干净,扎实而不硬。

  4、也许你的谱上已画上了许多踏板记号,最重要的是用听觉去分析及判断。每架钢琴所踏的深浅,甚至场地的不

  同会有所改变。 5、你能只看谱不在琴键上,而能在心中听音乐吗?这是读谱的重要阶段,愈早养成习惯,你就随时可以练琴,甚至新谱看过后就能演奏。像大钢琴家鲁宾斯坦就曾在演出的当天才看到维拉?罗伯斯(Villa?Lobo

  s)所作献给他首演的谱子,晚上就演出了。以上几点,所强调的就是要让自己的耳朵听到自己所弹的才算做到,

  也才有更深入一步了解或表现音乐的希望。 呵呵,晕了吧,说起来一套一套,真正实践起来那就难咯,努力吧 !

  我学的时候也没什么技巧在里面 就是刻苦练习 加上你接受能力一定要强 什么曲子都会学好的 真的

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